Maalimise surma ennustati esmakordselt 19. sajandi keskel, kui fotograafia tulek näis maalija käest reaalsuse välja kiskuvat. "Kui fotograafial lastakse seista mõne oma funktsiooni nimel kunsti eest, " kirjutas prantsuse luuletaja ja kunstikriitik Charles Baudelaire 1859. aastal, "siis see varsti kaob või rikub selle täielikult." Sellest ajast peale on kunstnikud püüdnud leppida fotograafia mõjudega.
Sellised impressionistid nagu Monet ja Renoir, kes lükkasid tagasi nii fotode staatilised, mehaanilised kujutised kui ka tolleaegse seisnud akadeemilise maali, otsustasid maalida oma muljed sellest, kuidas silm tajub looduses valgust ja atmosfääri. Mõni nende kaasaegne, sealhulgas Degas ja Toulouse-Lautrec, võttis teistsuguse suuna. Nad hakkasid inspiratsiooni saamiseks kasutama fotosid - kärpides oma pilte näiteks fotoaparaatideks ja tutvustades kaamera objektiivil põhinevaid vaatenurga moonutusi.
Siis, sada aastat tagasi, tegid Matisse ja Picasso radikaalsed maalid, mis määratleksid moodsa kunsti uue ajastu. Matisse moonutas kuju oma punnis Sinise Alastiga 1907. aastal, maalides fotolt, et vabastada tema kujutlusvõime ja murda elust joonistamise käigus tekkinud harjumused. Picasso kasutas oma 1907. aasta Les Demoiselles d'Avignoni maalimiseks ka fotosid, kusjuures iga kujund näis olevat mitmekordne säritus, vaadatuna erinevate nurkade alt korraga - see on otsustav samm kubismi.
20. sajandi edenedes loobusid sellised maalikunstnikud nagu Wassily Kandinsky ja Jackson Pollock kunsti kontseptsioonist kui esindusest, valmistades lõuendeid, mis ei sisaldanud üldse äratuntavaid esemeid. Nende "abstraktsetes" töödes sai teema ise maaliks. 1960. aastateks võtsid kontseptuaalsed kunstnikud - Marcel Duchampist ja teistest 1920. aastate dadaistidest inspireerituna - seisukoha, et kunst peaks olema suunatud mõistusele, mitte silmale, osutades maalideks, milles teose idee oli olulisem kui teos ise . Mõne ilmse erandiga - popkunst, fotorealism ja sellised kunstnikud nagu David Hockney - peeti esinduslikku või kujundlikku kunsti 20. sajandi lõpuks suuresti minevikku. Kuid viimastel aastatel on mitmed kaasaegsed maalikunstnikud hakanud jõudma tagasi moodsa kunsti juurte juurde, et leida uusi väljendusviise. Nad segavad inimfiguuri ja muid äratuntavaid vorme abstraktsioonide ja mitmetähendusliku narratiivi elementidega viisil, mida enne pole nähtud.
"Põnevus minu ameti ümber on praegu tohutu, " ütleb New Yorgi moodsa kunsti muuseumi maalimise ja joonistamise kuraator Joachim Pissarro. "Kolmkümmend aastat tagasi oli kogu see jutt maali lõppemisest. Täna ei huvita see kedagi." Noore põlvkonna jaoks on ta öelnud: "20. sajandi viimasel poolel eksisteerinud abstraktsiooni ja esindatuse vaheline polariseerumine on lihtsalt mõttetu. See, mida me praegu näeme, on väga huvitav. Ja täiesti uus."
Hajutatud Brooklynist Trinidadist Leipzigini, Saksamaal, uuendavad nendel lehekülgedel esindatud kunstnikud "usku maalikunsti", ütles New York City uue kaasaegse kunsti muuseumi vanem kuraator Laura Hoptman.
Peter Doig
"Kui 1980ndate lõpus hakkasid inimesed minu töö vastu huvi tundma, oli maal maal täiesti päevakorral, " ütleb Trinidadis elav 49-aastane šotlane Peter Doig. "See, mida galeriid pidasid eesrindlikuks, oli kõik kontseptuaalne - maalimine maalimise kohta, kunst, mis rääkis midagi selle valmistamisviisist. Ma töötasin selle nimel teadlikult. Minu jaoks, kui olete maalikunstnik, olete pidevalt sunnitud vaatama maailm kui maalimise potentsiaalne subjekt. Ja see hõlmab midagi tänaval nägemist, filmis, ajakirjas näitamist, kõike tegelikult. "
Trinidadi pealinnas Hispaania sadamas renoveeritud rummivabrikus asuv Doigi ateljee on täis suuri lõuendeid, mis kujutavad džunglimaastikke, maaliga määrdunud jõgesid ja kahemõttelisi figuure. Kui ta 2003. aastal Londonist lahkus, et kolida Trinidadi, kutsusid paljud tema sõbrad seda Gauguini tegemiseks pärast prantsuse kunstniku Paul Gauguini, kes kolis 1891. aastal Tahitile, et saada loodusega üheks. Doigi stiili võrreldakse mõnikord Gauguini stiiliga, kuid tema lähenemine maalimisele on hoopis teine. Tema sõnul sõltub ta teatud tüüpi infotöötlusest, mis algab sageli fotoga, sest fotode maalimine distantseerib teda sellest, mis on tõeline või tõeline. "Miks peab maal olema tõene?" ta küsib.
Doig on teinud mitu maali vanast postkaardist, mille ta ostis Londoni rämpspoest, mis kujutab India jõestseeni. "Kui ma maalin otse loodusest, " ütleb ta, "takerdusin selle püüdlusse õigesti. Fotograafia või postkaardi kasutamine lubab mul lihtsalt võtta seda, mida tahan, ja jätta ülejäänud välja. Tegin foto pisikese guru postkaardis ja tegin sellest veel ühe foto ning puhusin selle üles, nii et sellest sai udune kämp ja ma värvisin sellest ning temast sai omamoodi habemega mees, midagi salapärast ja musta. Ma ei tea seda. ei tea, kas ta on usutegelane või fanaatik, kuid temas on midagi vaimulikku. "
Ta osutab 9–12-suu pikkusele lõuendile visandilisest kujundist, mis ronib palmipuu otsa, kallistab pagasiruumi ja paistab välja abstraktsete pintslitõmmete, tilgumiste ja pragude vahel. "Need tilkumised ja praod on maalimisel sellised kaunid asjad, mis on ainulaadsed, " ütleb ta. "Te võtate võimalusi ja nad antakse teile, aga ma ei tahaks, et nad muutuksid manöövriks või trikkiks." Just see pilt tabas kõige rohkem SITE Santa Fe direktorit Laura Heonit, kui maali näidati muuseumi 2006. aasta biennaalil. "Mõnes mõttes on see tagasipöördumine humanismi juurde, " ütleb naine. "Inimesest pildi tegemisel on midagi väga helde."
Doigi loomingu suur retrospektiiv avatakse veebruaris Londonis Tate Modern'is.
Dana Schutz
Dana Schutzi maalides on võlts- ja tegelikku raske eristada. "Ma tean, et minu pildid on konstrueeritud, kuid ma usun nendesse, kui ma maalin, " ütleb ta oma stuudios vanas tööstushoones, milleks on kunstnike kaastöötaja Brooklynis. 30-aastasele Schutzile meeldib luua figuure ja panna need erinevatesse stsenaariumitesse maaliseerias, kus nad näivad oma elu elavat. Üks selline seeria on arvnäitajaid, mida ta nimetab "isesööjateks" - inimestena, kes on riisutud ja kes elavad oma keha osade toitmise ja seejärel enda rekonstrueerimise teel. Maalid koos nende fantastiliste kujundite ja sellega, mida ta nimetab "ekstravertseteks värvideks" - näpunäited ja punased, elektrilillad ja džunglirohelised - on kiidetud kui uus ekspressionism ja neid on lihtne sotsiaalsete hädade järgi tõlgendada - alates anoreksilised mudelid tarbekindlale tarbimisharjumusele - või isegi kui pilguheit kunstniku psüühikasse. Kuid Schutz pole sellega nõus.
"Ma ei ole ekspressionist, " protesteerib ta. "Need maalid ei räägi minust sellest, kuidas ma ennast üldse tunnen." Ise sööjad on tema sõnul "piltlik lahendus; võite need üksteisest lahti võtta ja uuesti kokku panna. See on nagu nad lihtsalt said materiaalseks."
Kuid Schutz väidab, et tema maalid on mõnikord inspireeritud sellest, mida ta Internetis näeb või sel ajal mõtleb. "Ma tahan, et need maalid algaksid kuskil avalikkuse ettekujutuses, kus inimesed tunnevad, nagu võiksid nad seda lugu teada, näiteks plastiline kirurgia või tootmine-tarbimine või kuidas me teeme endale alternatiivseid lugusid, " ütleb ta. "Üha enam tunnen, et kõige radikaalsem asi, mida kunst teha saab, on anda kellelegi kogemus, mis neile tundub, et see on mingil moel võõras."
Schutzi jaoks pole abstraktse ja piltliku maalimise vahel kõva piiri. "Ma ei arva, et need oleksid midagi eraldiseisvat." Ühel uuel maal mehel ja naisel, kes sõidavad, näivad autos olevad figuurid peaaegu plastilised, justkui sulavad nad kuuma Havai maastikul. "See, kuidas ma nende peale mõtlen, " ütleb ta, "on see, et kui te vaataksite meile tagasi, siis millised omadused jäävad pisut moonutatud või üldistatud viisil alles?
"Võib-olla värskendame seda figuuri, " jätkab ta. "Maalingutest maalide tegemine kõlab lihtsalt hullumeelselt. Kõik, mis maalist räägib, arvan, et nüüd tahavad kunstnikud omada tähendust ja omada mõju. See erineb 20. sajandist väga."
Schutzi tööde näitus avatakse novembris Saksamaal Berliinis Kaasaegse Kaunite Kunstide Galeriis.
Neo Rauch
Leipzigis mõjutab 47-aastane saksa kunstnik Neo Rauch külma sõja järgset maalikunstnike põlvkonda kahemõtteliste maalidega, mis segavad realismi fantaasiaga, tavalise ja veidraga. Rauch maalib idabloki koomiksite ja kommertskunsti graafiliste stiilide, kommunistliku Ida-Saksamaa sotsiaalrealismi, omaenda unistuste kujundite ja linnamaastiku elementide põhjal maalides selliseid figuure, mida võite leida propagandaplakatitel, kuid ta seab need sisse stseenid, mis on tema sõnul "segamini usutavad" - kord tuttavad ja kummalised.
Rauch kirjeldab oma maalid allegooriatena isikliku ikonograafiaga, mis jääb privaatseks. Hiljuti ütles ta New Yorgi Metropolitani kunstimuuseumi intervjueerijale, et tema otsused maalijana võivad olla mõistlikud - isegi tema enda põhjused. Kuid sellel, mille ta maalile hõlmab, on oma reaalsus, sest "vaatamata igasugusele tõlgendamise soovile peaks maalil jääma privileeg paigutada see, mida ei saa verbaliseerida ilmsesse struktuuri". Rauch kirjeldab oma maali valmistamisprotsessi võitlusena tasakaalustamaks seda, mis on äratuntav, seletamatuga. "Minu jaoks on ta öelnud:" maalimine tähendab unistuse jätkamist muude vahenditega. "
New Yorgi suurlinna kunstimuuseumis (läbi 14. oktoobri) on praegu avatud Rauchi tööde näitus.
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, nagu ka kolleeg Columbia ülikooli kunstikooli lõpetanud Dana Schutz, on oma atelje rajanud Brooklynis asuvasse ümberkujundatud tööstuslikku pööningusse. Tema maalid, mis on inspireeritud 19. sajandi lõpu Prantsuse ajaloo maalikunstist, ühendavad kujundlikke elemente tehnikatega, mis on saadud graffitist ja abstraktsest ekspressionismist.
"Philadelphias kesklinnas kasvanud teismelisena olin ma kõigepealt graffitikirjutaja, " räägib ta. "Sattusin igasugustesse hädadesse, arreteeriti, aga mul oli kunstiklassis alati üks jalg." Lõpuks viis sõbra isa ta New Yorki mõnda kunstigaleriisse. "See on tõesti ainus viis, kuidas ma oleksin isegi teadnud, et kunstimaailm on kunagi olemas, " ütleb ta.
Furnas, 34, maalib oma lõuendid põrandale tasapinnaliselt, nagu tegi Jackson Pollock. Kuid à la Pollocki õlivärvi tilgutamise asemel loob ta veepõhise värvi pudrud, mille vormi moodustamiseks ta üksteise peale kuhjab. Kodusõda käsitleva sarja jaoks täitis ta süstla punase akrüülvärviga, mille ta pritsis oma lõuendite kohale, et verd kujutada. "Õlid ei kuivaks kunagi aja jooksul, mil ma värvi kasutan, " ütleb ta, "tasane maapind, pudrud. Suur osa sellest ulatub tagasi grafiti juurde. Üks asi, mis mulle graffiti puhul meeldis, on see, et see on teadlikult Materjali väärkasutamine. Võiksite ühelt aerosoolilt maha pritsida purkide korgid, näiteks tööpinkide puhastusvahendi, ja panna need pihustuspurgidele ning saada pihustist hoopis teistsuguse efekti ... Ma pole kunagi vaevunud isegi molbertid või pintslid. Mul on tohutu kollektsioon pihustuspurkide korke, nagu ma kujutan ette, nagu mõnel õlimaalijal on pintslid. Minu töös on omamoodi tahtlik segu sellest, mis asub riistvara poes ja mis kunstipoes. "
Columbia kunstikoolis leidis Furnas mässu vanema põlvkonna õpetajate vastu, kes olid tema sõnul "kontseptuaalsed ja postmodernistlikud kunstnikud, maalijad peaaegu mitte". Ta nägi maalimist kui eneseväljenduse tegu, mis oli moes. Samuti soovis ta, et tema teos oleks vaatajatele kättesaadav, ilma et akadeemikud peaksid seda tõlgendama. "Ma ei tahtnud, et need mustades ülikondades inimesed mu tööst räägiksid, " ütleb ta. "Ma ei tahtnud vahendajat." Ta otsustas "minna tagasi modernismi seemnete juurde", "ütleb ta Courbeti, Géricault 'ja Manetti juurde, 19. sajandi lõpupoole prantsuse ajaloomaali juurde. Suutsin žanri uuesti uurida ja tulla selle juurde teisiti. Nii et minust on saanud selline modernistlik säästukaupluste ostja! "
Furnase loomingu näitus on kavandatud kevadeks Londoni Stuart Shave / Modern Art galeriisse.
Katherine Lee
Santa Fe kolledži kunstnike ateljeedes tehtud vanas armee kasarmus imetleb Katherine Lee, 22, kuidas tema traadiga põlvkond kunsti vaatab. "Me loeme tänapäeval nii palju vahetuid visuaalseid sõnumeid, " ütles ta. "Nagu reklaamid - loe see läbi ja saada - ja ma tahan, et maal oleks huvitavam kui kommertspaus. Ma arvan, et narratiivi kardetakse ja see on pärit ideest "saada see kätte". Inimesed on reklaamimisega nii harjunud, et tahavad, et keegi teine maaliks nähtu maal ette näeks. Kuid reklaam teeb nii head tööd, et võib-olla peate leidma uue strateegia. "
Lee stuudio seina külge on kinnitatud salapärane, peaaegu must maastik koos kauge valgusega. Selles on 19. sajandi maastiku tujukas atmosfäär ja sügavus, kuid Lee maalis selle mitmelt fotolt, kasutades grafiidi, õlide ja pihustusvärvi purkide segu. Tume lehestik soovitab džunglit või metsa ja selle kõige keskel näeb midagi sellist, mis näeb välja nagu punane vihmavari. Aga inimesi pole. Stseenist on raske midagi teada, see on just see, mida ta tahab. "See vihmavari vihjab sellele, et midagi toimub, " ütleb naine. "Mulle meeldib mõte, et kõik toimib potentsiaalse sisuna. Ma tõesti ei mõtle selle koostamisele, mida see tähendab, sest ma tean, et see saab oma tähenduse."
Kui ta maalib inimfiguure, nagu näiteks romantilise abielupaari õli- ja grafiidipildil, mida ta nimetab Untitled Love, soovib Lee, et maal huvitaks nii vaatajat kui pilti. "See pole päris kujundlik maal, " ütleb ta, "kuna see ei käi tegelikult nende inimeste kohta. Kui ma maalima hakkasin, oli tegelikult tegemist ainult figuuriga, kuid üsna varsti tundus see liiga lame. Ma olin tõeliselt pettunud ja omamoodi hävinud. enamus maalist, ja siis oli see palju parem. Võtsin pintsli ja ähmasin kõike ägedalt. Kõike sellisel määral abstraheerides muutub maal avatuks, see omandab palju potentsiaalset sisu, selle asemel, et ennast selgesõnaliselt selgitada. "
Katherine Lee maalid on maikuus lõputööde näitusel Santa Fe kolledži kaunite kunstide galeriis.
Elizabeth Neel
Columbia ülikooli kunstikooli hiljuti lõpetanud Elizabeth Neel, 32, on maalikunstnik, kelle looming lisab uut põnevust tänapäevase maalikunsti järele, mis sulandab abstraktsiooni ja esindatust. Tema Brooklyni ateljees on lõuendid kaetud suurte abstraktsete pintslitõmmetega, mis meenutavad de Kooningut, kuid neis on kujutatud figuure, mida maalija nagu Matisse võis ette kujutada. Neeli sõnul kujundab tema enda tundlikkust ümbritsevate piltide tulv alates reklaamist ja televisioonist kuni filmide, videote ja Interneti-ni. "Oleme piltide tarbijad peaaegu sünnist alates, " ütleb ta ja arvab, et nüüd peab kunst selle keskkonnaga hakkama saama.
20. sajandi figuraalse maalikunstniku Alice Neeli lapselaps surfab Elizabeth enne maali alustamist Internetis pilte. Ta ei projitseeri fotosid lõuendile, vaid teeb visandid piltidest, mida ta soovib kasutada. Mõnikord võivad maali tegemise puhtformaalsed aspektid - näiteks tema pintslitõmmete ulatus - muuta tema huvi pildi vastu ja saata ta uute piltide ja ideede saamiseks tagasi Internetti. "Ma arvan, et maalimisel võib olla imeline kahesus; see võib olla nii iseenda kui ka maailma kohta, " ütleb ta, "ja see on hea lõigu maal, kui see juhtub."
Briti kollektsionäär Charles Saatchi on ostnud mitu Neeli maali ja lisab mõned neist oma Londoni galeriis käimasolevasse näituste seeriasse "Maalide triumf". Neel osaleb isikunäitusel Deitch Projects'is New Yorgis 2008. aasta kevadel. Tema töid saab näha Deitch Projectsi veebisaidil.
Kirjanik ja maalikunstnik Paul Trachtman elab New Mexico. Tema artikkel dadaistide kohta ilmus 2006. aasta mais Smithsonianis.
