Kui oleksite sel aastal reisinud läbi mõne Hollandi suurema linna, oleksite tõenäoliselt kohanud üsna jahmunud näo läbistavat pilku. Looduskarvane, laia silmaga tegelane, kes tervitas teid tänavasiltide, vaateakende, ajakirjade kaante ja šokolaadikarpide eest, on Hollandi kuldajastu maalikunstnik Rembrandt van Rijn (1606-69). Rembrandti võrreldamatu kunst on alati olnud Hollandi turismi peamine müügiargument, kuid tema autoportree oli 2006. aastal kõikjal, sest hollandlased tähistasid oma rahva kuulsaima kunstniku 400. sünnipäeva. Tegelikult puudutas kuninganna Beatrixi eestvõttel kogu aasta kestnud riiklik üritus Rembrandt 400 ülemaailmset pidustust, kus osalesid muuseumid ja kultuuriasutused Krakowist Melbourni. Osalevate Ameerika asutuste hulgas on Washingtoni Rahvuslik Kunstigalerii, kus "Geeniuse insuldid: Rembrandti trükised ja joonistused" on avatud 18. märtsini 2007.
Kogu see tähelepanu peegeldab meie kestvat vaimustust kunstnikust, kelle tööd jäävad tänapäeval sama liikuvaks ja tähendusrikkaks nagu nad olid neli sajandit tagasi. Rembrandti hinnatakse nii väljendusrikka tehnika kui ka võime tõttu lüüa mis tahes tegelase või loo emotsionaalset südant. Tema teema ulatub piibellikust minevikust inimesteni ja ümbritsevatesse asukohtadesse, kuid tema kunsti keskne motiiv - ja peamine põhjus, miks tema teos kõneleb meid sajandeid pärast tema surma - on inimkuju, kes on tundlik nii pinna välimus ja vaimu turbulents.
Pole kahtlust, kas Rembrandt oleks heaks kiitnud omaenda eristatava näo praeguse kasutamise turundusvahendina. Ta maalis, sööstis ja joonistas umbes 70 autoportree, rohkem kui ükski teine oma aja tuntud kunstnik. Tehes näo oma kunsti keskmeks, tegeles ta ainulaadselt isikliku eneseturunduse vahenditega. Kostüümides või provokatiivsete poosidena mängis ta rolle alates kerjusest ja uljast pojast kuni viisakuse ja idamaise potentsiaalini. Algusaastate väikeste trükistega pillas ta peeglisse ja visandis tulemusi, et õpetada endale emotsioonide kujutamise kunsti. Hilisemas elus jälgis ta tähelepanelikult jälgitud maalidel, nagu näiteks tema tüükad ja kõik autoportree 1659, aja ja kogemuse jälgi. Need tööd leidsid tee kogu kogudesse, aidates muuta Rembrandti 17. sajandi kõige tuntumaks Hollandi kunstnikuks.
Rembrandt van Rijn sündis 15. juulil 1606 Leidenis möldri Harmen Gerritszoon van Rijni ja tema naise Neeltgen van Zuytbroucki üheksas laps. Perekond haldas Reini jõel viljaveskit, mis piirnes linnaga. Nad olid jõukad, töölisklassi inimesed ja nende lapsi oleks oodata, et nad liituksid veskifirmaga, nagu tegid mitmed Rembrandti õed-vennad, või asuksid kaubandusse. Rembrandt pidi olema näidanud erilisi lubadusi, sest tema vanemad võtsid ta vastu ladina kooli, kus talle tutvustati klassikalisi keeli ja kirjandust. Selline haridus oleks pidanud viima ministeeriumisse või avalikku teenistusse, kuid 17. sajandi Leideni ajaloolase Jan Orlersi sõnul oli Rembrandt pigem doodlimisest kui õppimisest huvitatud ja tema vanemad, ehkki andes paratamatuse, lasid tal treenida kohaliku maalijaga ja siis saatis ta kuueks kuuks Amsterdami kunstniku juurde õppima.
Pooletunnise rongisõidu kaugusel Amsterdamist (või mõni tund jalgsi, hobuse või paadiga Rembrandti päeval) domineerib Leiden täna oma ülikoolis, mis asutati 1575. 17. sajandil võlgnes linn suure osa oma õitsengust tekstiilikaubandus. De Lakenhali munitsipaalmuuseumis asub hoone, mis kunagi oli gildimaja, kus riietööstuse valitsejad ja hindajad pidasid oma koosolekuid. 2006. aastal toimus seal mitu suurt näitust, sealhulgas Rembrandti maastike ülevaade. Kui mõned näituse maalid kujutavad tema kodu lähedal asuvat maad, siis teised on puhas fantaasia. Näiteks Veskis varitsevad imelised tuulikud kaljul kaljul, erinevalt Hollandi tasasest maastikust. Teine näitus "Rembrandti ema, müüt või tegelikkus" keskendus kahele eakale tegelasele, kes ilmuvad korduvalt Rembrandti varasemates teostes. XIX sajandi teadlased, kes tahtsid kunstniku elu romantiseerida, leidsid nad kiiresti, et nad on Rembrandti ema ja isa, samas kui nooremate tegelaste uurimisel eeldati, et see esindab tema vendi ja õdesid. Ehkki kaasaegsed teadlased on skeptilisemad (neid tuvastamist tõendavaid dokumente pole), on mõistlik, et just alustava kunstniku jaoks oleksid kõige kättesaadavamad ja taskukohasemad mudelid pereliikmed.
Varase Rembrandti kooli signatuuristiil, mis põhineb täpsetel vaatlustel elust koos eksootiliste ajalooliste kostüümidega, on jälgitav selliste tööde nagu Rembrandti „ Tobit” ja „Anna” (1626) vastas, mida tema ema ja isa on võinud modelleerida. Selliste väikeste ja hoolikate maalide abil saate pilgu noorele kunstnikule hoolikalt oma silmaga koolitada, arendades samal ajal põnevust vanadusele, mis taastub kogu tema karjääri vältel.
20-ndate aastate keskpaigaks oli Rembrandt juba pälvinud rahvusvahelist tähelepanu. Kui enamik tema Hollandi kaasaegseid müüs oma töid kohapeal, siis tema maalid ja trükised ei kogutud mitte ainult Hollandis, vaid Itaalias, Prantsusmaal ja mujal. Inglismaa kuningas Charles I sai 1630. aasta paiku kingituseks kolm Rembrandti maali, sealhulgas autoportree ja maali, mis arvatakse olevat kunstniku ema. Otsides laiemaid võimalusi, kui tema kodulinn pakkuda võiks, kolis Rembrandt 1630. aastate alguses Amsterdami, umbes 125 000 elanikuga linna ja siis, nagu praegu, Hollandi kultuuri- ja kaubanduskeskusesse.
Rembrandti Holland oli Euroopas ainulaadne: kodanike juhitav vabariik, mitte monarhia, õitseva kaubandusmajandusega, kus raske töö ja ettevõtlikkus tähendasid enamat kui üllas tiitel. See oli koht, kus salliti usulist mitmekesisust ja kus kultuurielu domineeris linnakeskne, keskklassi maitse. Amsterdam oli elava kunstituru keskpunkt ja niipea kui Rembrandt sinna jõudis, tõi äripartnerlus silmapaistva kunsti vahendaja Hendrick van Uylenburghi abil kunstnikule mõned tema esimestest portreekomisjonidest - jala ukse patrooniks Amsterdami jõukamad kodanikud.
Van Uylenburghi abiga sai Rembrandtist kiiresti Amsterdami ihaldatuim portretist. Tema 1641. aastal maalitud hiilgav Agatha Bassi portree näitab, miks. 30-aastane Agatha, jõuka burgomasteri tütar ja ühe van Uylenburghi investori naine, peab meid ausa, ent enesekindla pilguga. Tema vasak käsi toetub lihvitud puitmõõdule, samas kui paremas käes olev elegantne ventilaator langeb selle ette. Kas see on aknaraam või pildi raam? See illusioon koos otsese poseerimise, elusuuruses skaala ja peene valguse mängimisega figuuri taga loob tunde, et seisame silmitsi teise elava hingega. Vaadake aga lähemalt ja tema karvaste juuste, tikitud pihiku, sädelevate ehete ja pitsidega kaunistatud kaelarihma elutruud detailid lahustuvad kriipsudeks ja värvitõmmeteks, läbipaistvate läbipaistvate glasuuridega, mis on kaetud paksu impastoga. See maagiline kombinatsioon eristab Rembrandti sujuvamast ja viimistletumast tehnikast, mida eelistavad paljud tema kaasaegsed.
1634. aastal, kui ta oli 28-aastane, abiellus Rembrandt van Uylenburghi 21-aastase nõbu Saskiaga. Ka tema oli kunstniku jaoks sagedane modell, kes laskis end maalilistesse rollidesse, nagu kevadjumalanna Flora. Saskia intiimses hõbedases joonistuses, mille Rembrandt tegi vaid paar päeva pärast kihlumist, kannab ta lilledega kaunistatud päikesemütsi ja naeratab häbelikult. Abielu kaheksa aasta jooksul oli paaril neli last, kuid ainult üks, Tiidus, elas alles imikueas. Aastal 1642, vähem kui aasta pärast Tiituse sündi, suri Saskia 29-aastaselt haiguse või sünnitusprobleemide tõttu. Ta otsustas, et Rembrandt saab tema pärandist kasu, kui ta ei abiellu uuesti. Tal oli suhe beebipoisi hooldamiseks toodud õe Geertje Dircxiga, kuid lükkas mõned aastad hiljem tagasi noorema naise Hendrickje Stoffelsi pärast, kes oli leibkonnaks neiu moodustanud. Dircx kaebas ta lubaduse rikkumise eest kohtusse, provotseerides pika ja kibeda juriidilise lahingu.
Aastal 1654 kutsuti Stoffels oma kiriku vanemate ette ja teda süüdistati maalija Rembrandtiga usus elamises, kuid ta jäi skandaalist hoolimata tema juurde. Nende tütar Cornelia sündis samal aastal hiljem. Nii Stoffels kui ka Titus aitasid Rembrandti äritegevuses (Tiitusest saaks alaealine kunstnik ja tema isa agent) ning poiss oli tõenäoliselt eeskujuks mitmele kunstniku provokatiivsele figuuriuuringule, sealhulgas ka Titus Tema töölauale, maalitud 1655. aastal. Mõne kiire löögi abil jäädvustab Rembrandt riide, juuste, puidu ja paberi tekstuurid ning koolipoisi unenäod, kes pigem asuksid ükskõik kus, vaid oma laua taga. Stoffels poseeris ka: tundlik portree temast umbes 34-aastaselt on New Yorgi Metropolitani kunstimuuseumis.
Ligi 20 aastat täitis Rembrandt oma avara kodu Sint Anthonisbreestraadil Amsterdamis tööl olevate tudengite sebimisega, helistavate klientide tulekuga ning müügiks maalide ja trükistega. Samuti lasi ta luua kollektsiooni objekte, mis sisaldasid lisaks kunstiteostele ka Amazonase papagoi sulesid, Veneetsia klaasnõusid, Aafrika lõvinahka ja muid eksootilisi aardeid, millest mõned pakkusid motiive tema maalidele. Kunagi hea rahahaldur, ta ei suutnud hüpoteekimakseid täita ja kaotas pärast 1656. aastal pankrotti läinud maja kaotsi. Tema sel ajal salvestatud kunstikollektsiooni inventuur näitab, et ta tundis huvi eelkäijate nagu Dürer ja Titian vastu., samuti sellised flaami kaasaegsed inimesed nagu Rubens ja Van Dyck. Rembrandti maja (eramaja kuni 1906. aastani, mil selle ostis Amsterdami linn) avas muuseumina 1911. aastal.
1642 valmis Rembrandt oma kuulsaima maali, The Night Watchi nime all tuntud hiiglasliku grupiportree, millel oli kujutatud linnakaitsjate seltskonda, kes marssis välja oma linna kaitsma. (Maal on olnud selle vaatamisväärsus Amsterdami Rijksmuseumis alates selle paigaldamisest 1885. aastal.) 1642. aasta Amsterdam oli tegelikult rahulik ja jõukas linn ning kodanlik valvur oli pigem ambitsioonikate kodanike ühiskondlik klubi kui tõeline sõjaline jõud. . Rembrandti kujutletud stseen on sümboolne tunnustus nende uhkele teenimisvalmidusele. Selle maali teeb revolutsiooniliseks see, et Rembrandt võttis sellest, mis võis olla igav figuuride rida, ja muutis selle elavaks tegevusalaks. Üks kaasaegne ütles, et see nägi teiste grupiportreede väljanägemist sama tasapinnalist kui mängukaartide puhul. Sajandite jooksul on Öine Vahtkond kohandatud nii, et see sobiks kitsasse kohta, veeretati üles ja pandi punkrisse, et kaitsta seda natside eest, lõigati leiva noaga (1975. aastal), pritsiti maha hapustatud muuseumikülastaja poolt ( 1990) ning tõlgendatud õllealustel, T-särkidel ja kaasaegsete kunstnike töödes. Kuid tänu Rembrandti julgele leiutisele ja kaardiväelaste isamaalise vaimu kujutamisele, millele rahvas rajati, pole see kunagi kaotanud oma staatust Hollandi rahvusliku ikoonina.
Mõne Hollandi kunsti austaja jaoks konkureerib Rembrandt van Goghiga lemmikpoja tiitli nimel. Kuid sel aastal korraldas isegi Amsterdami Van Goghi muuseum suurejoonelise Rembrandti näituse - "Rembrandt-Caravaggio". Itaalia meister Caravaggio, kes suri 1610. aastal, kui Rembrandt oli alles laps, on kõige paremini tuntud selle poolest, et ta on käsitlenud piiblilisi teemasid looduse jõulise tõega, mida on suurendanud dramaatiline valgus. Tema revolutsiooniline lähenemine kutsus esile rahvusvahelise liikumise, mis jõudis Rembrandti (kes kunagi Hollandist lahkus) Rooma reisinud Hollandi kunstnike kaudu. 2006. aasta näitus võrdles kahe meistri käsitlust mitmest seotud teemast, kuid me ei pea kaugele otsima, et leida tõendeid Rembrandti huvi kohta Caravaggio ideede vastu, eriti tema ettekujutuse kohta piiblilugudest kui emotsionaalsetest draamadest, mille on ellu viinud inimesed, kes meid endiselt löövad sügavalt inimlik.
Liikuv näide Rembrandti hilisematest aastatest on tema 1656 Jaakob, kes õnnistas Joosepi poegi (paremal ülal). Siin näeme patriarh Jacobi, vaevlevat ja peaaegu pimedat, kui ta jõuab oma kahte pojapoega õnnistada. Jaakob ulatab oma parema käe nooremale vennale Efraimile, mitte vanemale Menasseyle. Rembrandt järgib 1. Moosese raamatus teksti, kujutades poiste isa Joosepit, üritades õrnalt patriarhi kätt nihutada. Vanamees on aga kindel, tema tegevus prohvetlik: ta teab, et nooremale pojale on määratud ülevus. Vaikselt jälgib poiste ema Asenath. Tema kohalolekut vastavas lõigus ei mainita, kuid teda nimetati mujal Genesises, nagu Rembrandt selgelt teadis. Kaasates teda pildile, rõhutab kunstnik, et tegemist on südamelähedase perekriisiga. (Ta võib-olla on selle teose maalinud ühe hollandi pere jaoks, iga liige seisab piibelliku iseloomu eest.) Hoolimata hetke saatuslikest tagajärgedest tunneme me ennekõike sügavat armastust ja usku, mida jagavad kolm põlvkonda ja mis on suletud intiimne valgusring. Ehkki tugev varjamäng võlgneb midagi Caravaggiole, on värvi paks, peaaegu skulptuurne pind, mida rakendatakse laiade ja kiirete löökidega, kuid siiski imeliselt kirjeldava kirjeldusega, ainuüksi Rembrandt - tema kõige originaalsem panus tehnikaajaloos.
Paljude tänapäevaste vaatajate jaoks on see parimal juhul Rembrandt, kuid omal ajal eristasid tema krobelised värvipinnad, dramaatiline valgustus ja pentsikud, maapealsed tegelased teda üha enam valitsevatest trendidest. Elu lõpupoolel oli Euroopas ideaalse ilu maitse ja Hollandi asjatundjad nõudsid elegantseid figuure ja seadeid, selget valgust ja rafineeritud tehnikat. Sel moel keeldumise eest kandis dramaturg Andries Pels 1681. aastal Rembrandtile sildi "esimeseks ketseriks kunstiajaloos". Pelsile ja teistele klassitsismi pooldajatele tundus Rembrandti ekspressiivne maalikäsitlus lohakas ja lõpetamata. 18. sajandi biograaf Arnold Houbrakeni sõnul väitis Rembrandt, et "teos on valmis siis, kui meister on selles oma kavatsuse saavutanud". Teine kriitikute siht oli tema alasti kohtlemine. Kui klassitsistid väitsid, et kunstnikud peaksid püüdlema Kreeka skulptuuri laheda täiuslikkuse poole, salvestas Rembrandt usinalt tema subjektide kortse ja sukapaelad, põlvpõlve ja tarku juukseid. Selle eest süüdistati teda proportsionaalsuse ja anatoomia reeglite mittetäitmises.
Rembrandt oli klientidega suhtlemisel ka mittekonformist. Enamik kunstnikke tervitas neid oma stuudiotes, Rembrandt oli agar. Kui tulevane ostja prooviks maali liiga lähedalt vaadata, kirjutab Houbraken, Rembrandt laseb ta minema, hoiatades, et "õlivärvi lõhn teeb sind haigeks". 1654. aasta notariaalses dokumendis kaebas Portugali kaupmees nimega Diego d'Andrada Rembrandtile, et tema tellitud tüdruku portree nägi välja nagu tema. Ta soovis, et kunstnik vahetaks selle välja või tagatisraha tagastaks. Rembrandt ütles notarile, et ta ei puutu maali enne, kui D'Andrada tasub võlgnetava summa. Seejärel ütles ta, et saadab selle oma hinnangul maalrite gildi direktoritele ja teeb muudatusi ainult juhul, kui nad on kliendiga kokku leppinud. Kui D'Andrada ei oleks endiselt rahul, hoiaks Rembrandt maali ja müüks selle oksjonil. Deposiidi tagastamist ei mainitud. Kuidas juhtum lahendati, pole teada, kuid Rembrandti suhtumine oli sama riskantne kui ka julge. See maksis talle kindlasti mõne ettevõtte, kuid pikas perspektiivis võlgneb tema püsiv mõju palju tema loomingulisele iseseisvusele, mis on "moodsa" kunstniku märk.
Selleks ajaks, kui ta suri 1669. aastal 63-aastaselt, oli Rembrandt müünud maine ja trükiseid kogu Euroopas tuntud kollektsionääridele, koolitanud kümneid õpilasi, teinud ja kaotanud varanduse ning loonud mõned 17. sajandi meeldejäävamad teosed. Kuigi mõned vaatajad on imetlenud tema julget, tavatu lähenemist nii elule kui ka kunstile, on tema reageerimine inimlikule olukorrale endiselt vaieldamatu. Rembrandti silmades, kunstniku ja tema miljööalase kõneka uurimuse kohta, märgib kultuuriajaloolane Simon Schama, et Rembrandti jaoks on ebatäiuslikkus inimkonna norm. Seetõttu räägib ta alati läbi sajandite neile, kellele kunst võiks olla midagi muud kui ideaalvormide otsing. "
Stephanie Dickey õpetab kunstiajalugu Queensi ülikoolis Kingstonis Ontarios ja on kolme Rembrandti käsitleva raamatu autor.
