See postitus on osa meie käimasolevast sarjast, millesse ATM kutsub aeg-ajalt postitusi mitmelt Smithsonian Institutionsi külalisblogijalt: ajaloolased, teadlased ja teadlased, kes kureerivad muuseume ja uurimisasutusi kogude ja arhiivide kaudu. Täna kaalub Amy Henderson rahvusportreegaleriist kino, mis on kunst. Viimati kirjutas ta meile David McCullough'ist, kes külastas Smithsonianit.
Mis meid liikuvatel piltidel takistab? Kui keegi postitab video teie Facebooki seinale, kas te ei klõpsa tõenäolisemalt kui teisi linke? Miks me oma mobiiltelefonides filme vaatame? Miks on Times Square'is jalakäijate kaubanduskeskus, kus ziljonid inimesed istuvad rannatoolides ja vaatavad pilte, mis on ümbritsetud heli taustal? Muuseumides tõrjuvad külastajad alati liikuvaid pildigaleriisid. Miks stimuleerib video meelt nii?
20. sajandi alguses, kui film oli vaikne ja näitlejad anonüümsed, voolasid inimesed teatritesse, et vaadata projitseerimisi üle hõbedase ekraani. Pärast jutuajamiste tulekut lõid Hollywoodi stuudiod paralleelse universumi, mis koosneb "suuremast kui elu" staaridest. Naised pleegitasid oma juukseid plaatinapruuniks austuses Jean Harlow'le filmis Punane tolm ja mehed jõid martinisid justkui William Powell filmis " The Thin Man". Tahtsime kanda seda, mida tähed ekraanil kandsid: keset depressiooni müüs õmblusettevõte Butterick 500 000 muhvist varrukaga kleiti, mida Joan Crawford kandis 1932. aastal Letty Lyntonis, soovitades filmitähe siidi asendada isegi koduõmblejate jaoks odavamaid materjale. Ülesvõtmine tundub piiritu.
Mind köidab, kuidas filmid kultuuri määratlevad. Filmieelset Ameerikat on erinevates meediakanalites kroonitud, kuid miski ei liigu - kõik, mida peame sellest ajastust uurima, on staatiline, nagu vitriinide külge kinnitatud õrnad liblikad. Ja tegelikult on meil raske ette kujutada, kuidas külmutatud raamiga isikud liiguvad, hingavad, räägivad, kõnnivad, laulavad, isegi lihtsalt oma igapäevaseid rutiine käivad. Kui viin portreegalerii näituse “America Presidents” kaudu külastajaid, meenutan neile, et me ei tea tegelikult seda, kuidas meie asutajad isegi välja nägid, välja arvatud juhul, kui need on kujutatud erinevate kunstnike poolt; ja me võime ainult aimata, kuidas need kõlasid.
Detektiivromaanikirjaniku Dashiell Hammeti filmi "Malta hais" kohandati filmiks 1931. aastal. (Riikliku portreegalerii pilt (c) 1937, Edward Biberman) Mõtlesin filmi võimet paljastada hiljuti, kui valmistusin tutvustama portreegaleriis filmi "Malta hais" . See 1941. aasta film tähistas John Hustoni debüüti režissöörina ja Humphrey Bogarti üleminekut typecast gangsterist staariks. See on ilmselgelt depressiivne ajastu oma noudilistes varjudes; nagu Dashiell Hammeti samanimeline romaan 1930. aastal, klammerduvad filmi jutustus nagu uudistekanal; erasilm Sam Spade (Bogart), Paks mees (Sydney Greenstreet) ja Joel Kairo (Peter Lorre) on julgelt joonistatud ja räägivad kiire tule dialoogis, mis tugevdab filmi staccato-võitu. Loo jäädvustatud hetk jätab vähe aega nüanssidele või peenusele; jutustus liigub halastamatult ja järeleandmatult .
See staccato-peksmine on teema, mida ma rõhutan, kui viin inimesi läbi Portreegalerii näituse 1920ndatest kuni 1940ndateni - aastatel, mis nägid kaasaegse Ameerika esiletõusu. Aastatel 1890 kuni 1920 oli Ameerika kallastele saabunud 23 miljonit sisserändajat; enamik oli pärit Lõuna- või Ida-Euroopast. Vähesed rääkisid inglise keelt. Sel perioodil muutus riigi nägu. Samal ajal kuhjus Emersoni ja Thoreau pastoraalne maastik linnamaastikeks: 1920. aasta rahvaloendus näitas, et Ameerika oli esimest korda rohkem linna- kui maapiirkond. New York kujunes tarbijakultuuri tohutuks keskpunktiks, stendi ja neooni ahjude küpsetamine - ühes minu lemmiklauses - „jahmatav masin”. See oli linn, mis andis impulsi Gershwini rütmidele, Martha Grahami koreograafiale. ja Dashiell Hammetti kõvasti keedetud ilukirjandus.
“Liikuvad pildid” olid Ameerika kiiresti muutuva staccato-kultuuri jaoks täiuslik metafoor. New Yorgi tänavaelu dünaamilisuses võitsid filmid hüppelise meelelahutusena kiire edu, kui sellised ettevõtjad nagu Adolph Zukor, Louis B. Mayer ja William Fox rajasid Alam-Ida külje sisserändajate üürikorteritesse poetessid. Keel ei olnud takistuseks, nii et vaikivatel filmidel oli valmis publik.
Filmide võime meid transportida on jäänud selle meediumi üheks peamiseks vaatamisväärsuseks. Iroonia on see, et kuigi film on tähelepanuväärne kultuuridokument, mis külmutab aega, eemaldab see ka meid ilmast.
Allison Jessing, programmi koordinaator, kes korraldab siin Portreegaleriis ja Smithsoniani Ameerika kunstimuuseumis filmisarju, ütles mulle, et “film võib olla sama õõnestav, võimas ja emotsionaalselt resonantsne kui maal, skulptuur või mõni muu traditsiooniline kunstivorm”. Ta usub, et Smithsoni teatrit tuleks pidada omaette galeriideks, “mis demonstreerivad meistriteoseid samal viisil, nagu me eksponeerime kunstiteoseid, mis istuvad pjedestaalil või ripuvad seinale.” Üks viisidest, kuidas Jessing seda teeb, on “popi” laenamine. -meelelahutus ”tehnika filmide varastelt ettevõtjatelt. Sel eesmärgil on muuseumid ostnud Kogodi hoovist filmide projitseerimiseks täispuhutava 16-suu hüpikakna laiekraani ja Allison kasutab suurel ekraanil elust suuremat sarja, mida ta nimetab „Courtyard Cinema Classics”.
16-jalasel hüpikaknal näidatakse peagi filme Kogodi hoovis. (Allison Jessingi foto) 15. novembril esitletakse sarja esimest sarja - 1949. aasta A Connecticuti Yankee kuningas Arthuri kohtus, ajarännaku muusikal, mille peaosades on Bing Crosby ja Rhonda Fleming. Mul on hea meel tutvustada seda filmi, mis põhineb (väga laias laastus) Mark Twaini samanimelisel romaanil 1889; Ma võin kanda oma boa.
Muuseumides filmide näitamine tõestab taas, et Sam Spadel oli õigus: need on asjad, millest unistused on tehtud.
