Skoor John Cage'i määramatu kompositsiooni “Fontana Mix” (pilt: BBC Radio 3)
Muusikamärkuse arendamisega vabastati muusika suuliste ja foneetiliste traditsioonide tundlikest sidemetest. Standardiseeritud alusstruktuur tähendas, et kõike alates gregooriuse koraalist kuni “Johnny B Goode” sai säilitada ja levida suhteliselt hõlpsalt. Ent alates Teise maailmasõja järgsetest aastatest hakkasid mõned edumeelsemad muusikud ja heliloojad arvama, et muusikatöötajad võivad olla pigem piiravad kui vabastavad, ja hakkasid katsetama uusi, väljendusrikkamaid graafilise muusika märkimise vorme.
Ameerika helilooja John Cage uuris muusikaliste kompositsioonide kasutamisvõimalust ja määratlematust eesmärgiga kustutada oma subjektiivsus oma muusikast, kunstnike käest, nagu see ka poleks. Oma määratlemata „kompositsioonide” edastamiseks ja termini lahtiseks kasutamiseks arendas Cage välja keerukad graafiliste märkide tegemise meetodid, mis hõlmasid mitut lüümikut. Esmakordselt kasutas ta seda meetodit 1958. aasta partituuris “Variatsioonid I”, mis koosnes kuuest läbipaistvast ruudust - üks 27 punktiga heli ja viis viie joonega, mis tähistavad mis tahes määratud muusikalist väärtust. Kompositsioon saadi, asetades ruudud üksteise peale ükskõik millises kombinatsioonis. Cage jätkab selle meetodi arendamist ja laiendamist kogu 1950ndatel ja 60ndatel aastatel, nagu on näha ülemisel pildil, mis kujutab mõneti keerukamat partituuri "Fontana Mixi" jaoks. Puuri märge koosneb neljast mitme kanaliga kassettlindist, kümnest kilest, mis on pisikesega kirjutatud. punktid, üks läbipaistvat sirget joont ja kümme paberilehte, millele joonistati värvilised sirgete joontega joonised, ja graafikpaberi moodi “töötajad”. Läbipaistvate lüümikute abil saadi koordinaadid, mida kasutati seejärel selle määramiseks, millist linti kasutati. samuti lindilt saadava heli väärtused: pikkus (tollides), helitugevus, tämber jne. Klassikalise muusika juhendi All Music Guide kohaselt kirjeldas Cage partituuri kui “kaamerat, millest igaüks saab fotot teha”.
Hinne Steve Reichi teosele “Pendelmuusika” (pilt: Steven Reich, kirjutised muusikast, 1965–2000)
Partituur Steve Reichi teemal “Pendelmuusika” (Steven Reich, kirjutised muusikast, 1965–2000) Steve Reichi partituur “Pendulum Music” on sirgjooneline, kirjutatud juhendikomplekt, milles kirjeldatakse, kuidas teos lavastatakse ja esitatakse. Ülaltoodud salvestuse tegi Sonic Youth oma 1999. aasta albumi SYR4: Goodbye 20th Century jaoks. Käsitsi kirjutatud partituuri osi on pisut raske lugeda, nii et siin on ärakiri:
“2, 3, 4 või enam mikrofoni riputatakse nende kaablite abil laest nii, et nad kõik ripuvad põrandast samal kaugusel ja kõik saavad vabalt liikuda pendulaarse liigutusega. Iga mikrofoni kaabel on ühendatud võimendisse, mis on ühendatud kõlariga. Iga mikrofon ripub mõne tolli otse kõlari kohal või kõrval.
Etendus algab sellega, et esinejad võtavad iga mike, tõmbavad selle nagu kiik tagasi ja vabastavad seejärel kõik koos. Esitajad keeravad seejärel iga võimendi ettevaatlikult üles täpselt niikaua, kuni tagasiside saabub, kui mike kiigub otse kõlari kohale või kõrvale. Seega suunatakse tagasisideimpulsside jada, mis sõltuvalt erinevate Mike-pendlite järk-järgult muutuvatest faasisuhetest on kas ühtne või mitte.
Seejärel istuvad esinejad koos publikuga protsessi jälgimiseks ja kuulamiseks.
Teos lõpetatakse millalgi pärast seda, kui kõik mikid on puhkehetkele jõudnud ja esitajad annavad pidevat tooni võimendite toitejuhtmeid tõmmates. "
Brian Eno graafiline märkus muusikast lennujaamadele (avaldatud albumi varruka tagaküljel) 1978. aastal lõi muusik Brian Eno seemnealbumi Ambient 1: Muusika lennujaamadele . Eno lõi selle atmosfääri helimaastiku kirjeldamiseks ja Muzaki rajatud konserveeritud elevaatorimuusikast eristamiseks termini „ambient“. Seejuures lõi ta mitte ainult albumi, vaid terve muusikažanri. Eno sai inspiratsiooni heliloojatest nagu Cage ja Reich, kuid ametlikku muusikatreeningut tal polnud. Kui intervjuu käigus küsiti, miks ta ei õppinud kunagi muusikat lugema, vastas Eno, kes eelistas komponeerida otse lindile, ja vastas:
“See poleks mulle eriti kasulik. On olnud üks või kaks juhtumit, kus ma jäin kuhugi ilma magnetofonita ummikusse ja mul oli idee, üritasin seda meelde jätta ning kuna hea idee tugineb peaaegu alati mingile harjumatule nüansile, on seda automaatselt raske meelde jätta. Nii et olen väga harvadel juhtudel mõelnud: "Jumal, kui ma ainult saaksin selle kirja panna". Kuid tegelikult on üsna palju sellel, mida ma teen, seotud helitekstuuriga ja te ei saa seda niikuinii tähele panna ... Selle põhjuseks oli see, et muusikaline noot tekkis ajal, mil helitekstuurid olid piiratud. Kui te ütlesite, et viiulid ja puupuhkpall määratlevad heliteksti, siis kui ma ütlen, et süntesaator ja kitarr, ei tähenda see midagi - räägite 28 000 muutujast. ”
Traditsioonilise märkuse asemel lõi Eno ülaltoodud graafika, mis näib olevat pigem seotud muusika visuaalse mulje edastamisega ega ole tegelikult ette nähtud kasutamiseks juhendina muusika tegelikuks mängimiseks.
Krzysztof Penderecki teose “Polymorphia” (Ex Tempore) partituuri leht Krzysztof Penderecki “Polymorphia” tellis Põhja-Saksamaa Hamburgi raadio 1961. Nagu nimest järeldada võib, on teos tõepoolest mitmesuguses vormis ja muutub dramaatiliselt sektsioonide kaupa. “Polymorphia” abil otsis Penderecki uusi helivõimalusi ja kui need võimalused hõlmasid “kohutavat kummitavat house-muusikat”, siis ta naelutas selle absoluutselt. Kompositsioon on mõeldud 48 keelpillile ja see rõhutab pigem tembrit kui helikõrgust ja metallist, puust või nahast valmistatud helitekitajate kokkupõrget - mida muusikateadlane Danuta Mirka nimetab helilooja “algmaterjalideks”. Märget innustasid osaliselt elektroencefalogrammid - aju aktiivsuse visuaalsed mõõtmised. See hoiab ära traditsioonilised mõõdud muutuva pikkusega sektsioonideks jagatud skaala kasuks ja mõnes sektsioonis iga sekundi tähistamiseks täiendavate vertikaalsete jaotustena, kusjuures „kogupikkusruum” kirjeldab iga instrumendi suhtelist sammu.
Corenlius Cardew teose “Traktaat” (spiraalpuur) skoor 183 Inglise helilooja Cornelius Cardewi “Traktaat” on kirjutatud aastatel 1963–1967. See koosneb 193 leheküljest graafilisi märkusi, milles on kasutatud kahemõttelisi numbreid, kujundeid ja sümboleid, mida Carew kavatses esineja tõlgendada. Ta soovitab, et osatäitjad lepiksid enne etendust kokku oma reeglites, kuid ei anna teose tõlgendamiseks muid selgesõnalisi juhiseid. Cardew pakub käsiraamatus “Traktaat” täiendavaid krüptilisi nõuandeid, näiteks “Pidage meeles, et ruum ei vasta sõna otseses mõttes ajale” ja “On suur erinevus järgmiste vahel: a) teha kõike, mis teile meeldib, ja samal ajal märkmeid lugeda, ja b) märkuste lugemine ja nende elluviimiseks proovimine. Muidugi võite lasta partituuril töötada eelnevalt antud materjaliga, kuid see peab teil olema aktiivne. "Ainuke konstant kogu traktaadis on paksult tõmmatud" eluliin "partituuri keskpunktis. Sellel pole sisemist väärtust, kuid esinejad kasutavad seda sageli pigi või mõne muu muusikalise väärtuse lähtealusena. Lõppkokkuvõttes on “traktaat” märge kui kunstivorm. Nagu Carew ütleb: “Märge on olulisem kui heli. Mitte täpsus ja edu, millega märge heli märgib; kuid märkuse musikaalsus selle märkimisel. ”
Marcel Duchampi ja John Cage'i (Parsons) vahelise malelaulude matši pildi peale on maletähis kattud Lõpetuseks pool märkust. Ma loen seda ainult pooleks, kuna see kasutab traditsioonilist märkussüsteemi, mitte ainult muusika märkimissüsteemi. 1968. aastal mängis John Cage malemängu Marcel DuChampi vastu osana koostöölavastusest Reunion (pdf), kus esitati ka David Behrmani, Gordon Mumma, David Tudori ja Lowell Crossi elektroonilist muusikat. Arvestades tema huvi juhuse vastu, pole üllatav, et Cage selle teose välja mõtles, kuid selle koostasid eelnimetatud muusikud. Tahvli ise kujundas Cross ja varjatud fototakistid, kontaktmikrofonid ja ühendused heligeneraatoritega. Võistluse ajal lülitasid palade liikumise sisse tuled ja elektrooniline muusika, muutes näitusekeskkonna vastavalt laual olevate palade liikumisele. Malekunst muudeti muusikaks ja valguseks, omamoodi strateegiliseks sünesteesiaks. See on põnev idee. Kuidas kõlaks Sitsiilia riigikaitse? Või kuninganna Gambit?
Ülaltoodud näited tähistavad nii eksperimentaalmuusika kui ka muusika eksperimentaalset tähistamist. Kuid need on vaid mõned paljudest graafiliste ja eksperimentaalsete märkide moodidest, mida kunstnikud on viimase umbes 60 aasta jooksul uurinud. Kuigi mõned kunstnikud leiavad, et piirangud on inspireerivad - isegi kui need piirangud on sama nähtamatud kui muusika märkused -, leiavad teised, et edasiminekut saab saavutada ainult vastuvõetavate tootmis- ja kommunikatsiooniviiside purustamisel. Ja kuigi tulemused ei pruugi alati meeldivad olla, on nad vaieldamatult huvitavad ja esindavad siirast jõupingutust kunstivormi uurimata territooriumile surumiseks. Avangard selle sõna kõige otsesemas tähenduses.
